Kurzweil sp4-8

Esta nota está dirigida mas especialmente a músicos, y sobre todo a tecladistas o pianistas como yo.
Hace un año mas o menos compré un piano eléctrico Kurzweil sp4-8, en reemplazo de mi viejo
Kawai es-1, en realidad quería hacer un salto de calidad y de funcionalidad ya que a diferencia del kawai, el sp4-8 es mas un sintetizador con peso de tecla real.
 Lo primero que me convenció fue el peso de tecla contrapesado, que es un poco mas duro que el de la mayoría de los pianos eléctricos en plaza, además se su sistema de simulación real de martillos y con un sonido de grand piano muy dulce y envolvente.
 Con eso ya estaba contento, ya que solo tenía la intención de tocar tango o clásicos, para los cuales el grand piano basta y sobra.
 Un vez en casa empecé a explorar un poco mas todos los botones que no sabía para que servían y que me sorprendieron sobre manera.
 Voy a empezar a explicar todo lo que le encontré, que seguro es menos de lo que realmente tiene.
 16 bancos de sonidos con 8 variantes cada uno, da un total de 128 sonidos de la mejor calidad, destacándose los pianos blues y rock, rhodes, teclados de los 80, organos, syntes geniales, bajo y percusión y los 3 sonidos del melotron!!!!, cuyas flautas, cuerdas y voces, a mi entender fueron las mejores logradas de la historia (las flautas del melotron son las que aparecen en strawberry fields de The Beatles).   
 Además cuenta con 64 canales vacíos para sonidos propios y otros 64 mas para midi.
Cada sonido tiene un asignador de 5 efectos propio con una perilla de oscilación para su mejor manejo (los efectos son: timbre, mod, envelope, effect y reverb).
 División del teclado en 4 zonas para diferentes sonidos con volúmenes separados, ideal para tocar en vivo y hacer de bajista-tecladista, o de baterista- tecladista o simplemente baterista-bajista jaja.
 Transportador, doble rueda rueda (pitch y modulador), botones de atajos entre bancos de sonidos lejanos, salida/entrada USB, salida MIDI, doble salida de pedal (Sustein y CC pedal), salida stereo y mono, auricular, y hasta un calibrador de luz para el display!.
 En fin creo que estamos ante un instrumento de teclado muy pero muy completo que le va a ser de utilidad a cualquier músico que sepa tocar teclas, ya sea un concertista clásico, como un tecladista de banda.
 Espero que mi experiencia con este instrumento haya sido de utilidad y les repito, su funcionamiento me dejó mas que conforme.

La Red Special, del siglo XVIII?

 Si vamos a hablar de los grandes guitarristas del Rock, creo que no podemos dejar nunca de lado a Brian May y su historia con este instrumento tan hermoso.
 Si alguien alguna vez quiso imitar su forma de tocar, lograr su sonido, y no pudo, una de las causas seguramente habrá sido porque no tocó una réplica de la guitarra Red Special fabricada por el mismo (si!!, la hizo el junto con su padre!).
 Creo que el viejo dicho que habla sobre que "La necesidad agudiza el ingenio", se aplica completamente a May.
 Para dejarnos de enigmas voy a contar un poco la historia, corría el año 1962, y parecía que el joven Brian   tenía muchísimas ganas de tener una guitarra eléctrica (debido a que su guitarra acústica lo limitaba mucho a la hora de ejecutar canciones modernas) y así meterse de lleno en el mundo de la música, el problema era que las posibilidades económicas de la familia no eran las mas propicias para comprar una guitarra nueva, entonces Harold May (padre) y Brian comenzaron a construir lo que sería, años después, un ícono inigualable en el mundo de los instrumentos musicales.
 Aprovechando que los conocimientos de Harold en ingeniería electrónica eran inmensos, y con un poco de esa sabiduría en sus genes, Brian comenzó a seleccionar materiales para su nueva guitarra, de diseño y sonoridad propia.
 La mayor parte de la madera para el cuerpo de la guitarra la obtuvo de una repisa de chimenea de roble del siglo XVIII de su vecino.el mástil fue tallado en un pasamanos de caoba, medio viejo y apolillado pero de buena calidad. Para los marcadores del diapasón utilizó unos botones perlados de su madre.
 La cejilla de 24 trastes también está hecha en roble y las terminaciones del mástil, el cuerpo y la cejilla fueron plastificadas poco tiempo después.
 El vibrato del cordal está hecho con acero templado de una bicicleta puesto en tensión por dos muelles de válvula de un motor de motocicleta.
 Los únicos elementos prefabricados relevantes son las clavijas y las pastillas Burn Tri-sonic, también modificadas por Brian, quien las cubrió con epoxi-Araldite para reducir las vibraciones y los ruidos de realimentación. A su vez, cada pastilla está conectada a una perilla fabricada por May con encendidos individuales e interruptores para cada pastilla.
 Gran parte del sonido característico de la Red Special se debe su gran mástil y a que su cuerpo es de una construcción de tipo "cámara acústica", que lleva una especie de alas huecas talladas y unidas con pegamento al cuerpo de roble, y cubiertas por una plancha de caoba para disimular las cámaras vacías.
 Por último, y con esto me saco el sombrero admirando la enorme personalidad de May al momento de buscar "su sonido", es que durante toda su carrera con Queen, utiliza como púa monedas de 6 peniques que (encima!) dejaron de estar en circulación en 1980, y la explicación dejamos que nos la diga el: "Utilizo monedas porque no son flexibles, creo que se obtiene mas control si la flexibilidad viene del movimiento de tus dedos". 
 Parece que todo en la vida de May es pura personalidad.
 Sin mas palabras por decir, solo queda el reconocer que es un grande tanto dentro como fuera del escenario.

El Rock y la Segunda Guerra Mundial

Si bien técnicamente durante la segunda guerra mundial (fechada entre el 1ro de septiembre de 1939 y el 8 de mayo de 1945 en Europa y el 15 de agosto de 1945 en japón), el rock no existía, (según la revista rolling stone, la fecha de inicio del rock & roll es el 5 de julio de 1954, día en que Elvis Presley grabó su primer tema "thats all right"), si nacieron varios de sus futuros exponentes que revolucionaron la música occidental para siempre.
 Vamos a centrarnos en aquellos músicos que han vivido la experiencia de cerca, o sea los músicos europeos, particularmente y en lo que a los rockers nos interesa, los ingleses.
 Tratemos de enfocar la mente en aquel contexto, ruidos de sirenas anunciando los bombardeos, cráteres en las calles y edificios destruidos debido a las explosiones, sirenas de ambulancias a toda hora, escasez de alimentos, cierto grado de desnutrición, insomnio y demás desórdenes físicos a los cuales la población civil inglesa se vio sometida (y eso que no fue un país ocupado, como Francia o Polonia).
 En esa dura vida diaria fue que pasaron sus primeros años de vida The Beatles, y la primera formación de The Rolling Stones, y algunos músicos pertenecientes a otras bandas como The Who y Led Zeppelin.
 Esa primera infancia llena de privaciones (no fue hasta mucho tiempo después que se empezó a "normalizar" la vida en la pos guerra, por ejemplo la primer tienda de caramelos abrió recién en 1953) parece haber formado un espíritu de liberación y renovación cultural que hizo a la juventud inglesa acoger el rock norteamericano (en aquellas presentaciones de Muddy Waters en 1958 que hizo escuchar por primera vez guitarras eléctricas) con mesura primero, y fanatismo después.
 Prueba de esto es la tapa de la primera publicación de The Rolling Stones, la cual aparecen los integrantes en un barrio todavía destruido por los bombardeos, que a mi entender, representa esto del surgimiento de la nueva generación entre las cenizas del pasado. Esta elección quizás se haya hecho porque la casa de Keith Richards fue bombardeada y tardó bastante en reconstruirse.
 La guerra es un horror, y con esta nota quiero rendir un homenaje a quienes la han transitado en su primera infancia, y que un poco gracias a ello han forjado un carácter revolucionario que transformaron en belleza musical pura. Otros tienen tendencias que refleja un poco esos años de violencia, como es el caso de Roger Waters (Pink Floyd) y su legendario The Wall.
 Aquí les va la lista (estrictamente fehcada entre 1939 y 1945) de estos músicos que la pasaron mal y la terminaron muy bien, para ellos y para todos nosotros que hemos disfrutado de su música.

 The Beatles:

- John Lennon: 9 de Octubre de 1940
- Paul McCartney: 18 de Junio de 1942
- George Harrison: 25 de Febrero de 1943
- Ringo Starr: 7 de Julio de 1940

Led Zeppelin:

- Jimmy Page: 9 de Enero de 1944

The Who:

- Roger Daltrey: 1 de Marzo de 1944
- Pete Townshend: 19 de mayo de 1945
- John Entwistle: 9 de Octubre de 1944

Yes:

Jon Anderson: 25 de Octubre de 1944

Pink Floyd:

- Roger Waters: 6 de Septiembre de 1943
- Nick Mason: 27 de Enero de 1944
- Richard Wright: 28 de Julio de 1943

The Rolling Stones (formación original):

- Charlie Watts: 2 de Junio de 1941
- Brian Jones: 28 de Febrero de 1942
- Mick Jagger: 26 de Julio de 1943
- Keith Richards: 18 de Diciembre de 1943


 Solistas:

Vangelis (Griego): 29 de Marzo de 1943


Aclaro que los músicos que no se encuentran en la lista y que también forman parte de las bandas citadas, no figuran por haber nacido fuera del período 1939-1945, aunque muchos de ellos, y aún en bandas de gente mas joven, como Freddie Mercury (Queen) o David Gilmour (Pink Floyd), nacieron en 1946 y también vivieron buena parte del mundo privativo de pos guerra.
 Los únicos casos en que la totalidad de la banda está formada por músicos nacidos durante la guerra son The Beatles y The Rolling Stones. 
 A su vez pido disculpas si he dejado de mencionar a algún músico en particular, de ser el caso lo hice por omisión totalmente involuntaria y nuevamente pido perdones por ello.

EL Golpe, Ragtime!!!

 Si me pongo a pensar en mi infancia, y los temas que tocaba en el piano, difícilmente encuentre alguno de carácter "popular", desde que puse los dedos en el piano siempre trataba de estudiar temas clásicos, o mejor dicho de música académica, con esto me refiero a compositores como Mozart, Beethoven o Chopin, de vez en cuando les fui infiel con algún Tango, pero ejecutado de forma muy academicista.
 Fue hasta que vi la película El Golpe (The Sting, en su idioma original), y con su genial adaptación para orquesta de los temas de Scott Joplin, que comencé a interesarme por la música popular.
  Hablando un poco del film, es cita totalmente obligada para los amantes de las estafas, el poker, las carreras de caballos, habanos, whisky, en fin, la buena vida. Tan magistral es que logro 10 nominaciones a los premios Oscar y se llevó 7 incluyendo el de mejor película.
 El director, George Roy Hill, aprovechó la enorme fama que habían logrado la dupla de Paul Newman y Robert Redford con otra película suya de 1969, Butch Cassidy and the Sundance Kid, y los volvió a juntar para esta producción de 1973, logrando un éxito rotundo.
 La película está ambientada en los años 30', y para eso ¿que música se le puede poner?, nada tan genialmente mejor que todos ritmos de Ragtime para piano que se hicieron tan populares en el último cuarto del siglo XIX y a principios del XX, en EEUU.
 Como compositor de elite y casi único en esa época aparece la figura de Scott Joplin, compositor sin igual en lo que a Ragtime se trata,aunque de formación clásica principalmente lo que plasmó en la enorme complejidad de sus canciones. Nacido en Texas en 1868 y su obra completó la totalidad de la musicalización de la película mencionada.
 Entre sus partituras mas destacadas se encuentran: The Entertainer (cortina del film), Pineapple Rag, Magnetic Rag, The Ragtime Dance y The Cascades entre muchas otras hiper conocidas.
 Para los menos entendidos en el tema, el Ragtime es la música que escuchamos en las películas del Lejano Oeste, donde el pianista (bombín de por medio) ejecuta esta música en vivo en las cantinas donde se pelean los Cowboys, y de vez en cuando liga un balazo también. A su vez (y esto lo digo por la enorme cantidad de  gente que me lo comentó) aparecen en varias películas de Charles Chaplin, ya que al ser mudas, la música alegre de este ritmo encajaba "justo" en las comedias. De modo de que si alguien me dice "tocate las de Chaplin" o "toca la de vaqueros", ya se que tengo que ejecutar un Ragtime.
Su nombre significa "tiempo partido" y eso se debe a la constante polirritmia que presenta, o sea, el acompañamiento va por un lado y la melodía por el otro. Su importancia a nivel mundial es sorprendente si lo pensamos como el antecesor del Jazz, y también del Blues y el Rock, ya que antes de que apareciera solamente se escuchaba música clásica, algunos valses y canzonetas napolitanas, sus armonías no son complejas pero sí engarzadas de forma muy novedosa, que juntamente con las polirritmias ya mencionadas da como resultado una música muy alegre, en la cual se aprecia también la gran influencia de la música Country.
 En lo que a mi respecta hice una evolución casi histórica, ya que luego de escuchar rags, me interiorice, mas en el jazz, y me fanaticé con el blues y el rock, y también empecé a "popularizar" los tangos y demás composiciones que iba aprendiendo, todo gracias a George Roy Hill y a Scott Joplin.
  Nada mas para decir, mas que no se pierdan la oportunidad de ver El Golpe, que tanto a nivel cinematográfico como musical no tiene desperdicio. 

   

 

Joplin

Parte de la Religión, Discazo de Charly García

Hoy vamos a indagar un poco sobre como se formó el disco Parte de la Religión, uno de los mejores de Charly García.
 Corría el año 1987 y García, como tantos otros músicos de rock de aquella época sentía unas tremendas ganas de participar del festival de rock de La Falda, en la provincia de Córdoba. Se tomo un avión, luego un auto y apareció en medio de córdoba listo para tocar, el tema era que no había sido incluído en el programa de artistas de ese año (de hecho desde 1983 que no se le incluía, pero el tocaba igual), y como lo había hecho antes, improvisó una formación con músicos amigos (Fernando Samalea, Fito Páez, Hilda Lizarazu, Fabiana Cantilo, Cachorro López, Carlos García López, Pablo Rodríguez, Gonzo Palacios y Diego Urcola) y alrededor de las 6 de la mañana, tocó para el público cordobés la primera versión de "No voy en tren", antes de arrancar la letra Charly dijo: " Cordobeses hijos de puta, divinos, los amo. Todo el rock & roll es para ustedes... y chau. Escupan todo pero no me tiren nada, no me maten porque prefiero morir en Hollywood".
 El tema fue que apenas empezaron a tocar, les empezaron a desenchufar micrófonos, y a bajarle el sonido y tras que era una formación improvisada y no habían ensayado mucho tuvieron que lidiar con los sonidistas y su boicot, esto el público lo tomó como una falta de respeto y fue por eso que empezaron a lanzarles de todo, y sobre todo choclos. Mientras esquivaba los proyectiles, Charly dijo "son unos cordobeses comechoclos hijos de puta", terminó lo que había ido a hacer y se fué. Como dato curioso se puede nombrar que el festival se suspendió al tercer día y que luego nunca logró ser lo que fue.
 En medio de esta anécdota medio trágica es que a Charly se le ocurre empezar a grabar el disco, fue asi que junto con Samalea y Mario Breuer (ingeniero de sonido en argentina) se internó en los estudios Panda (Bs As) y comenzaron las sesiones.
 La creación comenzó en el departamento de Charly con vista a la avenida Coronel Díaz, en su portastudio de 4 canales a cassette, su Grand Piano Yamaha CP70, y la Yamaha Drum Machine, como programadora de baterías, y algún que otro sinte y guitarras que iban apareciendo. Lo curioso es que tanto las composiciones como las interpretaciones surgieron y fueron hechas por Charly (como se dice en resumidas palabras, un disco de estudio en solitario), lo aclaro porque a mi cuando escucho el disco me parece que hay muchos músicos en el medio tocando, pero lo cierto es que sólamente intervinieron Charly y unos pocos músicos invitados más.
El disco en total fué grabado en 3 ciudades de 3 países diferentes (en ese momento Charly pasaba por un buen momento económico), Bs As, Argentina, Río de Janeiro, Brasil, y Nueva York, EEUU. Y como mencioné antes, en su totalidad fué interpretado por Charly García, a excepción de las baterías tocadas y programadas por Fernando Samalea, dos solos de guitarra de David Lebón (en buscando un símbolo de paz" y "Adela en el carrousell"), el saxo de Daniel Melingo en "ella adivinó", coros de Cheryl Poirier, percusión de Chacal (percusionista brasileño que toca en "buscando un símbolo de paz" y "rap de las hormigas"), Paula toller (brasileña quien canta el estribillo de "buscando un símbolo de paz" ) y Los Paralamas, que participaron de "rap de las hormigas". Todo lo demás es Charly tocando todos los instrumentos y cantando, como se diría, en estado puro.
 La foto de tapa fué hecha por Uberto Sagramoso, el mismo fotógrafo de Clics Modernos, y su ingeniero de grabación en Nueva York fue Joe Blaney, quien luego de trabajar en Parte de la Religión hizo el disco Love sexy, de Prince en 1988.
 Una vez listo y grabado, Charly salió a presentarlo por el interior del país con su nueva banda, formada por Fernando Samalea (batería), Fernando Lupano (bajo), Carlos García López (guitarra), Alfi Martins y Fabián Quintiero (teclados). Para culminar realizó una serie de presentaciones en el teatro Gran Rex en Bs As.
 Esta es un poco la resumidísima historia de la creación de "Parte de la religión", como dije antes un DISCAZO, que a continuación les dejo los nombres de los temas para que se deleiten.


                       Parte de la Religión, de Charly García (1987)

      1- Necesito tu amor
      2- Buscando un símbolo de paz
      3- Parte de la religión
      4- Rap de las hormigas
      5- Adela en el carrousell
      6- No voy en tren
      7- Rezo por vos
      8- El karma de vivir al sur
      9- Ella adivinó
    10- La ruta del tentempié