Kurzweil sp4-8

Esta nota está dirigida mas especialmente a músicos, y sobre todo a tecladistas o pianistas como yo.
Hace un año mas o menos compré un piano eléctrico Kurzweil sp4-8, en reemplazo de mi viejo
Kawai es-1, en realidad quería hacer un salto de calidad y de funcionalidad ya que a diferencia del kawai, el sp4-8 es mas un sintetizador con peso de tecla real.
 Lo primero que me convenció fue el peso de tecla contrapesado, que es un poco mas duro que el de la mayoría de los pianos eléctricos en plaza, además se su sistema de simulación real de martillos y con un sonido de grand piano muy dulce y envolvente.
 Con eso ya estaba contento, ya que solo tenía la intención de tocar tango o clásicos, para los cuales el grand piano basta y sobra.
 Un vez en casa empecé a explorar un poco mas todos los botones que no sabía para que servían y que me sorprendieron sobre manera.
 Voy a empezar a explicar todo lo que le encontré, que seguro es menos de lo que realmente tiene.
 16 bancos de sonidos con 8 variantes cada uno, da un total de 128 sonidos de la mejor calidad, destacándose los pianos blues y rock, rhodes, teclados de los 80, organos, syntes geniales, bajo y percusión y los 3 sonidos del melotron!!!!, cuyas flautas, cuerdas y voces, a mi entender fueron las mejores logradas de la historia (las flautas del melotron son las que aparecen en strawberry fields de The Beatles).   
 Además cuenta con 64 canales vacíos para sonidos propios y otros 64 mas para midi.
Cada sonido tiene un asignador de 5 efectos propio con una perilla de oscilación para su mejor manejo (los efectos son: timbre, mod, envelope, effect y reverb).
 División del teclado en 4 zonas para diferentes sonidos con volúmenes separados, ideal para tocar en vivo y hacer de bajista-tecladista, o de baterista- tecladista o simplemente baterista-bajista jaja.
 Transportador, doble rueda rueda (pitch y modulador), botones de atajos entre bancos de sonidos lejanos, salida/entrada USB, salida MIDI, doble salida de pedal (Sustein y CC pedal), salida stereo y mono, auricular, y hasta un calibrador de luz para el display!.
 En fin creo que estamos ante un instrumento de teclado muy pero muy completo que le va a ser de utilidad a cualquier músico que sepa tocar teclas, ya sea un concertista clásico, como un tecladista de banda.
 Espero que mi experiencia con este instrumento haya sido de utilidad y les repito, su funcionamiento me dejó mas que conforme.

La Red Special, del siglo XVIII?

 Si vamos a hablar de los grandes guitarristas del Rock, creo que no podemos dejar nunca de lado a Brian May y su historia con este instrumento tan hermoso.
 Si alguien alguna vez quiso imitar su forma de tocar, lograr su sonido, y no pudo, una de las causas seguramente habrá sido porque no tocó una réplica de la guitarra Red Special fabricada por el mismo (si!!, la hizo el junto con su padre!).
 Creo que el viejo dicho que habla sobre que "La necesidad agudiza el ingenio", se aplica completamente a May.
 Para dejarnos de enigmas voy a contar un poco la historia, corría el año 1962, y parecía que el joven Brian   tenía muchísimas ganas de tener una guitarra eléctrica (debido a que su guitarra acústica lo limitaba mucho a la hora de ejecutar canciones modernas) y así meterse de lleno en el mundo de la música, el problema era que las posibilidades económicas de la familia no eran las mas propicias para comprar una guitarra nueva, entonces Harold May (padre) y Brian comenzaron a construir lo que sería, años después, un ícono inigualable en el mundo de los instrumentos musicales.
 Aprovechando que los conocimientos de Harold en ingeniería electrónica eran inmensos, y con un poco de esa sabiduría en sus genes, Brian comenzó a seleccionar materiales para su nueva guitarra, de diseño y sonoridad propia.
 La mayor parte de la madera para el cuerpo de la guitarra la obtuvo de una repisa de chimenea de roble del siglo XVIII de su vecino.el mástil fue tallado en un pasamanos de caoba, medio viejo y apolillado pero de buena calidad. Para los marcadores del diapasón utilizó unos botones perlados de su madre.
 La cejilla de 24 trastes también está hecha en roble y las terminaciones del mástil, el cuerpo y la cejilla fueron plastificadas poco tiempo después.
 El vibrato del cordal está hecho con acero templado de una bicicleta puesto en tensión por dos muelles de válvula de un motor de motocicleta.
 Los únicos elementos prefabricados relevantes son las clavijas y las pastillas Burn Tri-sonic, también modificadas por Brian, quien las cubrió con epoxi-Araldite para reducir las vibraciones y los ruidos de realimentación. A su vez, cada pastilla está conectada a una perilla fabricada por May con encendidos individuales e interruptores para cada pastilla.
 Gran parte del sonido característico de la Red Special se debe su gran mástil y a que su cuerpo es de una construcción de tipo "cámara acústica", que lleva una especie de alas huecas talladas y unidas con pegamento al cuerpo de roble, y cubiertas por una plancha de caoba para disimular las cámaras vacías.
 Por último, y con esto me saco el sombrero admirando la enorme personalidad de May al momento de buscar "su sonido", es que durante toda su carrera con Queen, utiliza como púa monedas de 6 peniques que (encima!) dejaron de estar en circulación en 1980, y la explicación dejamos que nos la diga el: "Utilizo monedas porque no son flexibles, creo que se obtiene mas control si la flexibilidad viene del movimiento de tus dedos". 
 Parece que todo en la vida de May es pura personalidad.
 Sin mas palabras por decir, solo queda el reconocer que es un grande tanto dentro como fuera del escenario.

El Rock y la Segunda Guerra Mundial

Si bien técnicamente durante la segunda guerra mundial (fechada entre el 1ro de septiembre de 1939 y el 8 de mayo de 1945 en Europa y el 15 de agosto de 1945 en japón), el rock no existía, (según la revista rolling stone, la fecha de inicio del rock & roll es el 5 de julio de 1954, día en que Elvis Presley grabó su primer tema "thats all right"), si nacieron varios de sus futuros exponentes que revolucionaron la música occidental para siempre.
 Vamos a centrarnos en aquellos músicos que han vivido la experiencia de cerca, o sea los músicos europeos, particularmente y en lo que a los rockers nos interesa, los ingleses.
 Tratemos de enfocar la mente en aquel contexto, ruidos de sirenas anunciando los bombardeos, cráteres en las calles y edificios destruidos debido a las explosiones, sirenas de ambulancias a toda hora, escasez de alimentos, cierto grado de desnutrición, insomnio y demás desórdenes físicos a los cuales la población civil inglesa se vio sometida (y eso que no fue un país ocupado, como Francia o Polonia).
 En esa dura vida diaria fue que pasaron sus primeros años de vida The Beatles, y la primera formación de The Rolling Stones, y algunos músicos pertenecientes a otras bandas como The Who y Led Zeppelin.
 Esa primera infancia llena de privaciones (no fue hasta mucho tiempo después que se empezó a "normalizar" la vida en la pos guerra, por ejemplo la primer tienda de caramelos abrió recién en 1953) parece haber formado un espíritu de liberación y renovación cultural que hizo a la juventud inglesa acoger el rock norteamericano (en aquellas presentaciones de Muddy Waters en 1958 que hizo escuchar por primera vez guitarras eléctricas) con mesura primero, y fanatismo después.
 Prueba de esto es la tapa de la primera publicación de The Rolling Stones, la cual aparecen los integrantes en un barrio todavía destruido por los bombardeos, que a mi entender, representa esto del surgimiento de la nueva generación entre las cenizas del pasado. Esta elección quizás se haya hecho porque la casa de Keith Richards fue bombardeada y tardó bastante en reconstruirse.
 La guerra es un horror, y con esta nota quiero rendir un homenaje a quienes la han transitado en su primera infancia, y que un poco gracias a ello han forjado un carácter revolucionario que transformaron en belleza musical pura. Otros tienen tendencias que refleja un poco esos años de violencia, como es el caso de Roger Waters (Pink Floyd) y su legendario The Wall.
 Aquí les va la lista (estrictamente fehcada entre 1939 y 1945) de estos músicos que la pasaron mal y la terminaron muy bien, para ellos y para todos nosotros que hemos disfrutado de su música.

 The Beatles:

- John Lennon: 9 de Octubre de 1940
- Paul McCartney: 18 de Junio de 1942
- George Harrison: 25 de Febrero de 1943
- Ringo Starr: 7 de Julio de 1940

Led Zeppelin:

- Jimmy Page: 9 de Enero de 1944

The Who:

- Roger Daltrey: 1 de Marzo de 1944
- Pete Townshend: 19 de mayo de 1945
- John Entwistle: 9 de Octubre de 1944

Yes:

Jon Anderson: 25 de Octubre de 1944

Pink Floyd:

- Roger Waters: 6 de Septiembre de 1943
- Nick Mason: 27 de Enero de 1944
- Richard Wright: 28 de Julio de 1943

The Rolling Stones (formación original):

- Charlie Watts: 2 de Junio de 1941
- Brian Jones: 28 de Febrero de 1942
- Mick Jagger: 26 de Julio de 1943
- Keith Richards: 18 de Diciembre de 1943


 Solistas:

Vangelis (Griego): 29 de Marzo de 1943


Aclaro que los músicos que no se encuentran en la lista y que también forman parte de las bandas citadas, no figuran por haber nacido fuera del período 1939-1945, aunque muchos de ellos, y aún en bandas de gente mas joven, como Freddie Mercury (Queen) o David Gilmour (Pink Floyd), nacieron en 1946 y también vivieron buena parte del mundo privativo de pos guerra.
 Los únicos casos en que la totalidad de la banda está formada por músicos nacidos durante la guerra son The Beatles y The Rolling Stones. 
 A su vez pido disculpas si he dejado de mencionar a algún músico en particular, de ser el caso lo hice por omisión totalmente involuntaria y nuevamente pido perdones por ello.

EL Golpe, Ragtime!!!

 Si me pongo a pensar en mi infancia, y los temas que tocaba en el piano, difícilmente encuentre alguno de carácter "popular", desde que puse los dedos en el piano siempre trataba de estudiar temas clásicos, o mejor dicho de música académica, con esto me refiero a compositores como Mozart, Beethoven o Chopin, de vez en cuando les fui infiel con algún Tango, pero ejecutado de forma muy academicista.
 Fue hasta que vi la película El Golpe (The Sting, en su idioma original), y con su genial adaptación para orquesta de los temas de Scott Joplin, que comencé a interesarme por la música popular.
  Hablando un poco del film, es cita totalmente obligada para los amantes de las estafas, el poker, las carreras de caballos, habanos, whisky, en fin, la buena vida. Tan magistral es que logro 10 nominaciones a los premios Oscar y se llevó 7 incluyendo el de mejor película.
 El director, George Roy Hill, aprovechó la enorme fama que habían logrado la dupla de Paul Newman y Robert Redford con otra película suya de 1969, Butch Cassidy and the Sundance Kid, y los volvió a juntar para esta producción de 1973, logrando un éxito rotundo.
 La película está ambientada en los años 30', y para eso ¿que música se le puede poner?, nada tan genialmente mejor que todos ritmos de Ragtime para piano que se hicieron tan populares en el último cuarto del siglo XIX y a principios del XX, en EEUU.
 Como compositor de elite y casi único en esa época aparece la figura de Scott Joplin, compositor sin igual en lo que a Ragtime se trata,aunque de formación clásica principalmente lo que plasmó en la enorme complejidad de sus canciones. Nacido en Texas en 1868 y su obra completó la totalidad de la musicalización de la película mencionada.
 Entre sus partituras mas destacadas se encuentran: The Entertainer (cortina del film), Pineapple Rag, Magnetic Rag, The Ragtime Dance y The Cascades entre muchas otras hiper conocidas.
 Para los menos entendidos en el tema, el Ragtime es la música que escuchamos en las películas del Lejano Oeste, donde el pianista (bombín de por medio) ejecuta esta música en vivo en las cantinas donde se pelean los Cowboys, y de vez en cuando liga un balazo también. A su vez (y esto lo digo por la enorme cantidad de  gente que me lo comentó) aparecen en varias películas de Charles Chaplin, ya que al ser mudas, la música alegre de este ritmo encajaba "justo" en las comedias. De modo de que si alguien me dice "tocate las de Chaplin" o "toca la de vaqueros", ya se que tengo que ejecutar un Ragtime.
Su nombre significa "tiempo partido" y eso se debe a la constante polirritmia que presenta, o sea, el acompañamiento va por un lado y la melodía por el otro. Su importancia a nivel mundial es sorprendente si lo pensamos como el antecesor del Jazz, y también del Blues y el Rock, ya que antes de que apareciera solamente se escuchaba música clásica, algunos valses y canzonetas napolitanas, sus armonías no son complejas pero sí engarzadas de forma muy novedosa, que juntamente con las polirritmias ya mencionadas da como resultado una música muy alegre, en la cual se aprecia también la gran influencia de la música Country.
 En lo que a mi respecta hice una evolución casi histórica, ya que luego de escuchar rags, me interiorice, mas en el jazz, y me fanaticé con el blues y el rock, y también empecé a "popularizar" los tangos y demás composiciones que iba aprendiendo, todo gracias a George Roy Hill y a Scott Joplin.
  Nada mas para decir, mas que no se pierdan la oportunidad de ver El Golpe, que tanto a nivel cinematográfico como musical no tiene desperdicio. 

   

 

Joplin

Parte de la Religión, Discazo de Charly García

Hoy vamos a indagar un poco sobre como se formó el disco Parte de la Religión, uno de los mejores de Charly García.
 Corría el año 1987 y García, como tantos otros músicos de rock de aquella época sentía unas tremendas ganas de participar del festival de rock de La Falda, en la provincia de Córdoba. Se tomo un avión, luego un auto y apareció en medio de córdoba listo para tocar, el tema era que no había sido incluído en el programa de artistas de ese año (de hecho desde 1983 que no se le incluía, pero el tocaba igual), y como lo había hecho antes, improvisó una formación con músicos amigos (Fernando Samalea, Fito Páez, Hilda Lizarazu, Fabiana Cantilo, Cachorro López, Carlos García López, Pablo Rodríguez, Gonzo Palacios y Diego Urcola) y alrededor de las 6 de la mañana, tocó para el público cordobés la primera versión de "No voy en tren", antes de arrancar la letra Charly dijo: " Cordobeses hijos de puta, divinos, los amo. Todo el rock & roll es para ustedes... y chau. Escupan todo pero no me tiren nada, no me maten porque prefiero morir en Hollywood".
 El tema fue que apenas empezaron a tocar, les empezaron a desenchufar micrófonos, y a bajarle el sonido y tras que era una formación improvisada y no habían ensayado mucho tuvieron que lidiar con los sonidistas y su boicot, esto el público lo tomó como una falta de respeto y fue por eso que empezaron a lanzarles de todo, y sobre todo choclos. Mientras esquivaba los proyectiles, Charly dijo "son unos cordobeses comechoclos hijos de puta", terminó lo que había ido a hacer y se fué. Como dato curioso se puede nombrar que el festival se suspendió al tercer día y que luego nunca logró ser lo que fue.
 En medio de esta anécdota medio trágica es que a Charly se le ocurre empezar a grabar el disco, fue asi que junto con Samalea y Mario Breuer (ingeniero de sonido en argentina) se internó en los estudios Panda (Bs As) y comenzaron las sesiones.
 La creación comenzó en el departamento de Charly con vista a la avenida Coronel Díaz, en su portastudio de 4 canales a cassette, su Grand Piano Yamaha CP70, y la Yamaha Drum Machine, como programadora de baterías, y algún que otro sinte y guitarras que iban apareciendo. Lo curioso es que tanto las composiciones como las interpretaciones surgieron y fueron hechas por Charly (como se dice en resumidas palabras, un disco de estudio en solitario), lo aclaro porque a mi cuando escucho el disco me parece que hay muchos músicos en el medio tocando, pero lo cierto es que sólamente intervinieron Charly y unos pocos músicos invitados más.
El disco en total fué grabado en 3 ciudades de 3 países diferentes (en ese momento Charly pasaba por un buen momento económico), Bs As, Argentina, Río de Janeiro, Brasil, y Nueva York, EEUU. Y como mencioné antes, en su totalidad fué interpretado por Charly García, a excepción de las baterías tocadas y programadas por Fernando Samalea, dos solos de guitarra de David Lebón (en buscando un símbolo de paz" y "Adela en el carrousell"), el saxo de Daniel Melingo en "ella adivinó", coros de Cheryl Poirier, percusión de Chacal (percusionista brasileño que toca en "buscando un símbolo de paz" y "rap de las hormigas"), Paula toller (brasileña quien canta el estribillo de "buscando un símbolo de paz" ) y Los Paralamas, que participaron de "rap de las hormigas". Todo lo demás es Charly tocando todos los instrumentos y cantando, como se diría, en estado puro.
 La foto de tapa fué hecha por Uberto Sagramoso, el mismo fotógrafo de Clics Modernos, y su ingeniero de grabación en Nueva York fue Joe Blaney, quien luego de trabajar en Parte de la Religión hizo el disco Love sexy, de Prince en 1988.
 Una vez listo y grabado, Charly salió a presentarlo por el interior del país con su nueva banda, formada por Fernando Samalea (batería), Fernando Lupano (bajo), Carlos García López (guitarra), Alfi Martins y Fabián Quintiero (teclados). Para culminar realizó una serie de presentaciones en el teatro Gran Rex en Bs As.
 Esta es un poco la resumidísima historia de la creación de "Parte de la religión", como dije antes un DISCAZO, que a continuación les dejo los nombres de los temas para que se deleiten.


                       Parte de la Religión, de Charly García (1987)

      1- Necesito tu amor
      2- Buscando un símbolo de paz
      3- Parte de la religión
      4- Rap de las hormigas
      5- Adela en el carrousell
      6- No voy en tren
      7- Rezo por vos
      8- El karma de vivir al sur
      9- Ella adivinó
    10- La ruta del tentempié

Al Pacino convencía a Coppola?

 Vamos a centrarnos en una de las trilogías mas emblemáticas de todos los tiempos, estoy hablando de "El Padrino", esas películas de mafiosos que cambiaron el cine para siempre.
 Infinidad de curiosidades rondan en estas filmaciones, ahora vamos a citar algunas:
 En principio, algo que noté de índole netamente musical: para los que han visto la primera parte, hay dos canciones claramente definidas, una para las escenas que se desarrollan en EEUU y otra (y creo la más conocida de toda la saga), la que se adopta en escenas que transcurren en Italia.
 Al ver alguna propaganda por televisión, como cada vez que comento con amigos sobre la música de la película, e inclusive en palabras mismo Coppola, quien se queja de que en cada momento que entra a un restaurante y hay músicos en vivo, en conmemoración tocan "Love theme" (nombre real de la canción compuesta por Nino Rota), saqué la conclusión de que obviamente es la canción que identifica a la saga, pero lo curioso es que es una de las canciones que menos aparece a lo largo de las películas.
 De hecho, la mayor parte de los sucesos y de la trama transcurren en EEUU, y solamente se dedica un porcentaje mínimo a la "parte Italiana" dentro del film, mas específicamente en la primer película sobre la vida de Michael Corleone cuando se refugia en europa tras el asesinato de Sollozzo y el capitán de policía Mckusley. En resumidas cuentas, la primer curiosidad es la inmensa fama adquirida por la canción Love Theme, teniendo en cuenta las pocas apariciones que tuvo en el film.
 Vallamos a las contrataciones, específicamente la de Coppola como director y la de Brando como actor.
En principio, la idea de hacer la película de El Padrino, surgió de Robert Evans, productor general de la Paramount Pictures, quien conocía a Mario Puzo, el escritor de la saga, como una especie de intento de continuar con el éxito que había tenido la publicación de la novela en 1969. Por esta razón, se trató de hacer una película de bajo presupuesto, porque el único interés que motivó a hacer el Padrino fue el dinero, nunca Evans se imaginaría que terminaría haciendo una de las mejores películas de toda la historia.
 Francis Ford Coppola era un director en ese momento muy desconocido, y por ende, barato, y como su ascendencia era italiana, se pensó (y muy bien) que era la mejor opción.
 Aquí viene la otra curiosidad, Coppola insistía a los productores de Paramount que Marlon Brando era la mejor opción para encarnar a Vito Corleone, éstos no lo podían ni ver, primero porque no querían gastar tanto dinero en contratarlo y segundo por su excéntrica personalidad. Fue así que Coppola fué a la casa de Brando a "comentarle unos proyectos que tenía", al ingresar con una cámara a su casa, y habiendo leído la historia previamente, Brando se dio cuenta de que esa visita era una prueba de cámara e inmediatamente actuó (nunca mejor empleada esa palabra) en consecuencia. Desde el principio de la entrevista se puso migas de pan en la boca, las deslizó hacia sus mejillas, puso voz ronca y empezó a hablarle a Coppola como el Vito Corleone que todos conocemos, esa filmación fue lo que terminó de convencer a los productores que dijeron que eso "era genial" y decidieron invertir un poco más en la película.
 Cuanto se imaginaron los productores que iban a ganar con el film?, no lo se pero creo que ninguno hubiera ni siquiera arrimado una cifra a la verdadera, en total se invirtieron 6.500.00 dólares en la filmación de la primera parte y su recaudación mundial fue de 268.500.00 dólares.
 Vamos a los que nos compete y de lo que todavía no hablamos nada, Coppola tenía una forma muy particular de definir los actores para los personajes, en pruebas de cámara constantes hacía a todos los actores actuar de todos los personajes, fue así que Al Pacino tuvo que hacer de Sony y Freddo y tantos mas y viceversa con los demás, lo mismo tuvieron que hacer todos los actores. El único personaje definido fue el de Marlon Brando, quizás por edad y trayectoria, con tanta mala suerte para Robert de Niro, el cual el personaje de Vito le salía a la perfección, que se quedó fuera de la primera parte, actuando de un Vito joven en la segunda, papel que le valió un Oscar como mejor actor de reparto.
 Una vez definidos los personajes, comenzó el rodaje, pero parece que para Coppola, Pacino no era lo suficientemente "mafioso" como para darle fuerza al papel de Michael, parece que le faltaba convicción.
 Aclaro que Coppola suele hacer muchas filmaciones de escenas y luego de un momento para el otro despide a los actores que no lo convencen, como paso en Apocalypse Now, cuando filmó escenas con el actor Harvey Keitel en el papel del capitán Willard, quien después fue reemplazado por Martin Sheen.
 Parecía que iba a pasar lo mismo con Pacino, hasta que llegó la escena definitoria: la escena en que Michael mata a Sollozzo y al capitán de policía Mckusley maravilló a Coppola y se dio cuenta de que Al Pacino era perfecto para el papel, de hecho si se fijan con atención, el rostro y la actitud de Michael antes y después de esa escena cambian radicalmente, suerte o genialidad de Pacino?, me quedo con la segunda.
 Como última curiosidad voy a nombrar la moda que se instauró en Hollywood luego de la saga de El Padrino, que justamente la de hacer secuelas. Que es esto?, varias películas con los mismos personajes en historias diferentes y/o que se suceden en el tiempo. El Padrino, parte 2, fue la primer película en tener su condición de secuela en el título (parte 2 justamente) y luego de esta saga vinieron muchas, pero muchas, Indiana Jones, Star Wars, Batman, Superman, Bourne, por nombrar solo algunas.
 En fin, todos quedaron contentos con la saga de El Padrino, los primeros fueron los espectadores que vieron una de las mejores películas que se haya hacho, luego los productores que ganaron muchísimo dinero y por ultimo, los realizadores, que se han catapultado a la fama por ser parte de este éxito inconmensurable.

                     

 

Elvis Presley, el Rey del Rock

Espero estar a la altura de las circunstancias al hablar de Elvis, desde mi humilde conocimiento trataré de contar algunos de los hechos que me causaron mayor curiosidad sobre la vida del Rey.
  Lo primero que se me viene a la mente es entender el proceso que hizo de un camionero de Menphis, la estrella de rock mas relevante e importante de toda la historia. Algunos hechos (en realidad la mayoría de ellos) son pura y exclusiva consecuencia del talento gigante del que Elvis disponía, pero otros fueron consecuencias políticas que sucedieron solo en la década del 50, y también sólo en EEUU, y los menos, podríamos decir "destino" o "Dios".
  Dejo de adelantarles cosas para ir al grano.
  Elvis Aaron Presley, nacido el 8 de Enero en la localidad de  Tupelo, Mississippi, gemelo de su hermano muerto al nacer, pertenecía a la clase social mas baja dentro de lo que era la población blanca norteamericana, denominados "White Trash", o sea "basura blanca", debido a su poco poder adquisitivo.
 Toda la escuela primaria la pasó en Tupelo, en donde sus maestras lo consideraban un chico prometedor, por sus buenas calificaciones, podemos citar un concurso de la escuela como su primera presentación en público vestido de Cowboy, a los 10 años.
  En 1948, por tener mayores oportunidades, la familia se muda a Memphis Tennessee, en donde Elvis comienza sus estudios secundarios.
 Es muy relevante aclarar que ya a los 15 años, Elvis llamaba la atención por su peinado estilo "jopo", y enormes patillas que se estaba poniendo de moda por aquellos días, utilizando hasta 16 cremas para el pelo para lograr ese peinado perfecto y brillante.
 Sus calificaciones ya no eran tan buenas en el secundario, no obstante solo obtuvo una reprobación en toda la escuela, en la materia música, porque a su profesora de canto no le gustaba su forma de cantar, ironía no?
 Al terminar el secundario consiguió trabajo de camionero para una compañía eléctrica y con algunos ahorros fue al estudio Sun Records a grabar dos canciones para regalarle a la madre, corría el año 1953.
 Sun Records era una grabadora local de las que solo EEUU supo tener en esa época, en donde era accesible en precios para el público general y además organizaba festivales y giras por las localidades aledañas a Memphis.
 Al mostrarse sumamente interesado en tener una entrevista con Sam Philips, dueño de la firma, su secretaria  le concedió el deseo. Se preparó mucho para esa "prueba" porque ya había tenido otra en donde le dijeron que siga de camionero porque nunca iba a tener futuro como cantante.
 El día llegó y primero le preguntaron a quien se parecía como cantante, "no sueno como nadie" contestó, pero al haber preparado una selección de baladas para la ocasión, lo asimilaron con Bing Crosby (otro genio de la música, pero de estilo mas jazzero y melódico).
 Tras largas horas de canto y grabaciones, Sam a punto de tirar la toalla le dijo a Elvis y los músicos que lo acompañaban que no habían hecho nada nuevo, que esas baladas ya se estaban grabando y de la misma forma desde hace años.
 Fue así como Elvis decidió tocar una balada que le gustaba mucho a Sam pero acordándose de sus orígenes viviendo en un barrio negro de Tupelo comenzó, como juego a aumentarle el ritmo y cantarla mas rápido.
 Aquel día (5 de julio de 1954), la revista Rolling Stone lo declaró como "el comienzo del Rock & Roll".
 La aceptación fue tal que Phillips grabó el tema y dijo que eso era lo que había estado buscando hace años, un cantante blanco con voz de negro. Lo de la voz de negro es porque el timbre se Elvis es de Barítono, con una voz grave y aterciopelada, a diferencia de la mayoría de los cantantes blancos que, por tener menor contextura física que la raza negra, tenían voces mas agudas.
 Hay que aclarar también que ese tipo de música (bluses rápidos, rockabilli) ya se venía escuchando en EEUU en esos días, pero como la política de segregación era tan tortuosamente estricta, no se permitían mezclas entre negros y blancos, ni siquiera en bares, teatros o establecimientos educativos. Por esta razón (sumada a que los cantantes negros no cobraban por su trabajo debido solamente al color de su piel) es que un blanco haciendo música negra podía ser un negocio millonario.
 Aqui es cuando les hablo de sucesos políticos, EEUU era un país segregado, con penas legales para las personas que se mezclaran y divirtieran con gente de color, a su vez acababa de convertirse en la primera potencia al ganar la segunda guerra mundial, y por lo tanto el país mas rico de la tierra, y como no puede ser de otra manera empezó a producir con su riqueza tecnología, con la televisión casera como su mas grande logro.
 Con la televisión en notable crecimiento, Elvis tuvo la oportunidad demostrarse masivamente como nunca nadie antes lo había hecho y ya en contrato con RCA, conoce al Coronel Tom Parker, quien supo explotar sus condiciones naturales sumadas al momento particular de ese país para extender la fama de Elvis al infinito.
 Su primer álbum con RCA llego al primer puesto de los charts, con esas ganancias sumadas a las de sus actuaciones fue que compro una iglesia que pertenecía a un médico, la reformó y creo su mítica mansión "Graceland".
 No todo fue color de rosas para Elvis en esos años, tuvo que luchar con la fama de "rebelde" que se había hecho por bailar de forma sexualmente obscena (lo de obscena era porque movía la pelvis, nada mas), y cuenta de ello lo da el hecho de que en sus primeras apariciones televisivas, se lo enfocara de la cintura para arriba, obligándolo a mover el dedo meñique de vez en cuando para no dejar de expresarse.
 Hacia fines de 1957 ya con varias películas y discos de oro en su haber y el pelo ya teñido de negro para parecerse al actor del momento, Tony Curtis, Elvis es reclutado por el ejército para un servicio militar, este hecho marcaría el fin de su primer carrera como rey del rock, ya que a su vuelta se dedica durante casi 10 años a filmar películas sin presentarse en público. Causas de este hecho pueden atribuirse a la muerte de su madre en 1958, al encuentro con su futura esposa Priscilla, en Alemania o simplemente a un factor económico, lo cierto es que recién volvió a cantar en público en su especial de 1968,  año que nació su única hija, Lisa Marie Presley.
 Dicho especial es muy recordado por ver a un Elvis vestido de cuero negro, en perfecto estado físico, en la edad justa y con la selección muy acertada de canciones que recordó toda su carrera hasta el momento.
 Luego de esta presentación bisagra, la historia quizás sea un poco mas conocida, vemos a un Elvis con sobrepeso debido a la ingesta de anfetaminas que había comenzado en su estadía con el ejército en Alemania, vestido casi siempre con fastuosos trajes blancos y cantando canciones melódicas en hoteles de las vegas, con su pelo mas suelto y no tan "armado".

En la década del 70, no era tan bien visto cantar en las vegas, de hecho Elvis fue criticado por eso, pero no solo lo hizo sino que a partir de él, la ciudad comenzó a tener prestigio nuevamente, (de hecho hoy en día la convención de Elvis se realiza en dicha ciudad).
 Hacia agosto de 1977, Elvis ya padecía un estado físico deplorable, en el último año le habían recetado alrededor de 700 fármacos, para levantarse, dormirse, salir al escenario, etc, que con el deterioro de los años habían hecho estragos en la salud del cantante, fue asi que el 16 de agosto del 77 su cuerpo no dio mas y falleció en la habitación de su baño, ese día se fue el artista que revolucionó la cultura popular y que inspiró a centenares de músicos que empezaron sus carreras siguiendo su imagen (John Lenon, Jim Morrison y nuestros mas autóctonos Palito Ortega y Sandro, por nombrar a algunos), y que a mas de 30 años de su muerte, sigue vendiendo discos como en sus mejores tiempos.