Lazer Menhir

 Queridos todos, les dejo el link de la página de facebook de mi banda Lazer Menhir para que, si les gusta, vean fotos y algunos videos en vivo, en breve subiré material editado tanto en video como en disco (mi sueño es algún día que los discos de Lazer se editen en vinilo je).
 Gracias por ser tan copados y un abrazo enorme!!!!

                                                                                Lazer Menhir

Mi canal de youtube

 Queridos amigos, hace muchisimo tiempo que no escribo debido a que estuve dedicando (malgastando tal vez? o aprovechando?, solo el tiempo lo dirá) bastante energía en varios proyectos musicales, sobre todo la formación de una banda de rock llamada Lazer Menhir, la cual me tiene como cantante y tecladista (por la foto del blog se habrán dado cuenta de que toco el piano) junto a dos grosos como Tefy Cruseño en batería y coros y Juan Bossi en guitarra eléctrica. 
 El otro proyecto es el armado de una sala de ensayos en el barrio de Núñez, Buenos Aires, el cual ha tenido muchos idas y vueltas pero que ahora parece consolidarse con su nuevo nombre: Miniplug, en breve tendrán mas información y armado de su correspondiente página web, blog, facebook, etc.
 El motivo de este post es para que de a poco vallan viendo el progreso de la banda a través de mi canal de youtube cuyo usuario es pablitoromano007 (si piensan qeu soy medio fanático de James Bond tienen razón je).
 Por el momento no tengo subidos videos de alta calidad (solo presentaciones en vivo) ya que soy de pensar de que la música habla por si sola y no necesita de ultra ediciones costosísimas para "maquillar" el arte sonoro, de todas formas estamos trabajando en las mismas y en la grabación de nuestro primer disco para dar una muestra mas amplia de lo que hacemos.
 Les agrego a continuación algunos videos para que me digan su opinión y esperando que sean de su agrado.

                  
                                              Uno de Pink Floyd para variar un poco.

                 

               Saludos!!! y no voy a dejar pasar tanto tiempo para escribirles la próxima vez!!!

Historia del nombre Led Zeppelin

 Resulta que luego de la separación de The Yardbirds, Jimmy Page se puso a buscar integrantes para un nuevo "super grupo" que tenía en mente, fue así que llamó a conocidos suyos para comenzar las sesiones de preparación de la nueva banda. 
 En una de las primeras sesiones de ensayo, antes de que aparecieran los nombres de Bonham y Plant, estaban reunidos Jimmy, John Paul Jones, Keith Moon y John Entwistle, los dos últimos de The Who para comenzar a darle forma musical al conjunto ensayando un tema de Jeff Beck. Al escuchar ese sonido tan potente para la época y tan avasallador, con una guitarra de Page impecable como ya nos acostumbraría a escuchar, Moon pronuncia la frase, "esto es como un Zeppelin de plomo" (aclaro que el Zeppelin era un medio de transporte aéreo que consistía en una "caja" donde viajaban los pasajeros movida por un globo aerostático gigantesco de la forma de una pelota de Rugby).
 No se sabe bien si esa frase era un halago o una crítica, porque ni los mismos músicos se ponen de acuerdo en si "Zeppelin de plomo" era una forma de describir el sonido fuerte y pesado de la banda o si se dijo como una forma de describir que esa banda caería como ese globo lleno de plomo para no levantarse mas.
 A Page, que todavía no tenía un nombre para esa nueva banda mas que The New Yardbirds, y que no lo convencía mucho, le encantó dicha frase y tiempo después, ya con los integrantes definitivos en escena decidieron ponerle Lead Zeppelin.
 Por razones semánticas, y pensando en el mercado Norteamericano, Peter Grant, manager de la banda sugirió de cambiarle el nombre a Led, debido a que Lead, es una palabra en Inglés que tiene doble significado, plomo y dirigir, se escriben igual pero en Inglaterra se pronuncian distinto. Grant tenía miedo de que la pronunciación Norteamericana confundiera "Zeppelin de plomo" con "Zeppelin dirige", nombre muy egocéntrico el segundo que nada tenía que ver con la idea original.
 Fue así que todos aceptaron a Led, una palabra abreviada que no tiene un significado específico para formar parte de ese nombre que quedaría en la eternidad.
 Toda esta historia tiene a un gran perdedor: John Entwistle. Según él, ya tenía pensado de antemano ese nombre para una banda, mucho antes de la sesión con Page, y que en varias oportunidades se lo comentó junto con la idea de hacer para un primer disco un gran Zeppelin en llamas porque tenía pensado dejar The Who junto con Moon, así que lo único que hizo Zepp fue poner en práctica sus ideas.
 Esta versión es menos aceptada, incluso por los propios músicos de la banda, prueba de ésto es una entrevista a Jimmy Page en la cual le preguntan cómo se les ocurrió el nombre Led Zeppelin y el contestó: "No se, se lo puso Keith Moon".
 Lamentablemente para Entwistle, Moon fue "oficialmente" el inventor original del nombre de la banda.

Que se puede decir de Led Zeppelin???

  Bueno, me estoy metiendo con una de las bandas mas grandes de la historia, pero que puedo agregar que no se encuentre en algun sitio hiper informado de internet?.
 Simplemente la vivencia personal que tuve desde que escuche la primera nota tocada por Jimmy Page.
Como musico a veces me pregunto, ¿como tienen que sonar los integrantes de una banda por separado para que despues puedan formar un buen conjunto? esta respuesta la tuvieron resuelta al instante los integrantes de Lead Zeppelin (nombre de banda cuyas raices explicare en la nota siguiente) y se las puedo explicar en base a un sencillo principio: Cuando ustedes tienen una banda con el mejor guitarrista y el mejor baterista de la historia, y el cantante y el bajista son de una virtuosidad sorprendente, el resultado no puede ser otro que una banda de esas que quedan en la historia para siempre, y asi sucedio.
La primer canción que mis oidos escucharon fue Rock and Roll, y directamente me voló la cabeza, es como si mis ganas de rock puro y duro hubieran estado satisfechas al instante. Fue como si Page, Plant, Jones y Bonham hubieran adivinado lo que exactamente queria escuchar yo unos 25 años mas tarde de la fecha de grabación original. Increible!!!!.
Pero mas increible es que toda esa explosión musical que representó la salida de Zeppelin I, se gestó solamente  meses antes de su grabación. Lo que quiero decir es que la primera vez que los cuatro integrantes se juntaron a tocar, como cualquier hijo de vecino, salió todo tan bien que ya decidieron grabar un disco, y de ahi no pararon mas!!!!!, toda la carrera de Led Zeppelin estuvo resumida en esas 2 hs de ensayo inicial cuando casi ni se conocian entre si.
 Luego vinieron las giras, los primeros excesos (muy rockeros por cierto) y luego Led Zeppelin II, que reafirmaba aun mas esa impronta hardrockera que ya habia nacido con Zeppelin I para sorpresa del mundo entero.
 Luego vino Zeppelin III, algo mas tranquilo y reflexivo pero no por eso menos intenso; y aca me detengo para explicar algunas de las razones por las cuales Led Zeppelin esta en el olimpo de las mejores bandas de todos los tiempos.
 Ademas de un talento y virtuosismo sobresaliente, casi inhumano en los dedos de Page, la voz de Plant, la ritmica de Bonham y la multiplicidad de Jones, que le hace falta a una banda para convertirse en leyenda?, justo eso, leyendas.
 Las giras de esta banda estuvieron plagadas de excesos, mujeres, alcohol, drogas y mucho rock n roll, prueba de eso es el episodio (confuso como toda buena leyenda) en donde se acusaba a la banda de violar a una mujer introduciendole un tiburon en la vagina y el recto, muchos años mas tarde de aquel 1969 le preguntaron a Plant si habia sido el y respondio "No me acuerdo de haber estado en el lugar, ese debe haber sido Jimmy", los datos aseguran que la mujer era una groupie pelirroja que queria una aventura con sus idolos, y que el unico integrante de la banda que estuvo presente fue el baterista John Bonham junto al manager y nadie duda de que la chica fue atada a la cama y que haya tenido sexo (consentido, no en forma de violacion) con un tiburon o trozos de el.
Tambien (y esto no es un rumor) una groupie y posterior novia de Jimmy Page, que lo acompaño durante varias giras por EE.UU tenia solo 14 años, edad ilegal para contraer relaciones amorosas de forma seria con gente mayor, por tal motivo Page siempre oculto la edad de la chica (lo ayudo que a simple vista no aparentaba tener esa edad), hasta que se distanciaron y Jimmy pudo sortear asi los problemas legales que esta relacion le traeria.
 Otra historia es la de Stairway to Heaven, reproducida al reves contenia mensajes satanicos, version que fue desmentida ferozmente por todos los miembros de la banda argumentando que es algo muy pero muy rebuscado pensar en esas cosas y que ellos solo componen canciones para el gusto de la gente, aunque admitieron que puede ser que si algo asi se escucha, es solo casualidad.
 El satanismo siempre estuvo muy vinculado a la banda durante toda su carrera, un poco por la incredulidad de los criticos ante el ascenso meteorico de la banda, tambien por la publica declaracion de Page de ser simpatizante de la filosofia de Aleister Crowler (hasta se compro la casa donde vivio el anteriormente), un esoterico y ocultista de la epoca, y tambien su total desprecio por la prensa, la cual respondio con dureza a la hostilidad zeppeliana hasta la aparicion del periodista de la Rolling Stone Cameron Crowe,de tan solo 17 años, quien hizo una nota para el recuerdo y amigo a la banda con la revista, (esa historia fue llevada al cine en la pelicula Casi Famosos).
 En resumidas cuentas, Led Zeppelin es responsable de buena parte de la imagen que tenemos del rocker hoy en dia, un tipo sin limites, con muchisima personalidad y talento, capaz de realizar las cosas mas impensadas y sobre todo libre, en todos los sentidos que esa palabra tiene. Creo que junto a The Beatles y The Rolling Stones, Led Zeppelin completa el pilar de como se tiene que armar una banda, pero va mas alla, ya que la disolucion de la misma se dio por dos hechos fatales, la muerte del hjo de Robert Plant y la frutilla del postre: la muerte de Jonh Bonham, la cual determino el fin de la banda.
 Yo no tomo la muerte como algo fatidico y triste, sino como una parte de la vida, y sobre todo sabiendo que Bonham tuvo su deceso ahogandose en su propio vomito al tener el cuerpo sin reaccion alguna luego de tomarse 40 shots de vodka casi consecutivos. ¡que manera rockera de morir!, prefiero mil veces eso antes que de viejo en mis propios orines inmundos, Los Led Zeppelin hasta nos enseñan como morirse con estilo.

 A continuacion les recomiendo 10 canciones que tienen que escuchar si o si antes de tomarse 40 shots de vodka.

 - Stairway to Heaven (cancion que todo musico quisiera haber compuesto, y hit principal de la banda)
- Rock n roll
- Black dog
- Whole lotta love
- Moby Dick (con el mejor solo de bateria que jamas se haya hecho)
- All of my love
- Celebration day
- Good times, bad times
- Living loving maid
- Kashmir


Discos:

Led Zeppelin (1969)

Led Zeppelin II (1969)

Led Zeppelin III (1970)

Led Zeppelin IV (1971)

Houses of the Holy (1973)

Physical Graffiti (1975)

Presence (1976)

In through the out door (1979)

Coda (1982) (Album postumo armado por Jimmy Page con los ultimos materiales grabado pos John Bonham)

En medio de estos discos hubo varios discos grabados en vivo producto de los recitales y las giras.
A partir de la fecha de fallecimiento de Bonham, el 25 de septiembre de 1980, la banda oficialmente se separo, luego del album Coda hubo varias recopilaciones y remasterizaciones hechas por Page, en su entusiasmo de seguir con la magia de Led Zeppelin, solo puedo decir una cosa mas: Gracias Jimmy.

                                       

                                     

 
                                      

     

The Dark Side of the Moon, un antes y un después.

  Charlando con amigos músicos, surgió la idea de preguntarnos cual es el verdadero alcance que tuvo el disco The Dark Side of the Moon, de Pink Floyd, y empezaron las discrepancias.   Para algunos es la irreverencia de las letras, y la profundidad de los conceptos que quiere transmitir, para otros (dentro de los cuales me incluyo) simplemente la música y su excelentísima combinación de efectos, y las técnicas de grabación a través de las cuales vio la luz. 
  Opinión más y opinión menos, hay algo que es irrefutable: The Drak Side of the Moon es EL disco que marcó un antes y un después en la historia del Rock & Roll.
  Ellos no necesitaban mas que eso para sentirse motivados, después de todo era el tipo de efecto que querían lograr. 
  La banda tenía fama de ser de “carácter difícil”, debido a la gruesa capa de ideología que recubría a todos sus temas, debido a eso nunca tuvieron un éxito estruendoso, nunca hubo una “floydmanína”, pero sus canciones se mantenían durante largo tiempo en los charts, inclusive mas que las que alcanzaban algún N° 1. 
  El disco fue el noveno que sacó la banda, y eso hablaba muy bien de ellos, ya que a la época de The Dark Side of the Moon, ya eran veteranos rockeros que siempre habían vivido de la música y que a las discográficas siempre les hacían ganar algo de dinero, por eso seguían vigentes y nadie se atrevía a contradecirlos en nada. 
  Para mí, la grandeza del disco radica (además de su enorme carga ideológica) de la manera en que se utilizaron todos los efectos sonoros. 
  El productor fue Chris Thomas, el ingeniero en sonido, Alan Parsons y entre ellos dos se las ingeniaron para plasmar de forma exquisita todo lo que los Floyd les decían que querían. Se comentaba en ese entonces que el verdadero aporte del baterista Nick Mason fue la recolección de sonidos no convencionales, como los latidos del corazón humano y la caja registradora junto a la caída de las monedas de Money, el tic tac de Time lo capturó Parsons en una tienda de antigüedades para probar las virtudes del sonido cuadrafónico. Mientras el tecladista Rick Wright sacaba de su Hammond toda la experimentación psicodélica posible vino la frutilla del postre, la voz del portero de Abbey Road diciendo “ No hay un lado oscuro de la luna, en realidad; la verdad es que toda ella es oscura”. 
  La tecnología de los estudios de grabación tuvo mucho que ver en el disco, Roger Waters dijo que tuvieron suerte de grabar en los estudios de Abbey Road, porque estaban a la vanguardia de todo lo nuevo en ingeniería en sonido, sobre todo el tratamiento del eco, y los stereos. 
  Justamente esos sonidos que van de acá para allá, que se pasan de una oreja a otra, los ecos interminables conjugados con sonidos no convencionales hacen de The Dark Side of the Moon un disco único. Mi impresión cuando lo escuche fue de ver que todo lo que pasa alrededor de uno, Pink Floyd lo transformó en música, todo es música, la vida es música!!!, simplemente genios. 
  Quizás, en la primera escucha, y debido a esa psicodélica mezcla de sonidos el disco parezca tener un efecto medio “drogón” (hay que tener en cuenta que se hizo a principios de los 70’ con todo lo que pasaba en el mundo en aquella época), nada mas alejado de la realidad, dicho por el propio productor “Si los Floyd hubieran tenido tan solo un gramo de drogas en su cuerpo, con el nivel de tecnicismo que exigía el disco, no hubieran podido tocar ni una nota”. 
  Muchos comentan (y adhiero a esa teoría) que el éxito de The Dark Side of the Moon, como el de toda la obra de Pink Floyd en general fue lo mismo que produjo su separación en 1985, la tensión Roger Waters – David Gilmour. El primero tratando de plasmar en donde podía cargas ideológicas, el segundo intentando darle mas lirismo a la banda través de sus exquisitos solos de guitarra. El primero componiendo mas, el segundo arreglando mas. 
  Esa tensión se plasma de forma excepcional en los discos The Dark Side of the Moon y en The Wall, pero como dirían muchos, desde que comenzó se sabía que habría un final. 
  Otra genialidad que hizo único al disco fue su tapa, diseñada por el artista gráfico Storm Thorgerson (amigo y viejo compañero de la escuela de artes de Roger Waters) el cual viajó hasta Egipto para fotografiar las pirámides de Giza (de noche y con luna llena), para luego entregarle a la banda seis bocetos de tapa, unánimemente los miembros de la banda eligieron al instante la que todos conocemos. 
  El disco salió a la venta en Marzo de 1973, y su recibimiento fue igual que aquellas actuaciones en vivo pre grabación: Desconcierto por parte del público, pero aprobación. El disco no hizo mas que seguir con la línea en la cual venía situándose la banda, pero a una escala gigantesca. 
 Ejemplo de esto es que nunca alcanzó a ser N° 1 en del Reino Unido, pero se mantuvo en los charts de EEUU durante 300 semanas, es más, en los charts de Billboard estuvo durante 700 semanas!!!. Sencillamente todos se sentían identificados con él, desde Hippies hasta Darks, oficinistas, deportistas o músicos. 
  Waters explicó que el disco habla de todo lo que el ser humano se pregunta una vez terminada la adolescencia, ¿que nos separa de los animales?, ¿somos realmente justos con el prójimo?, ¿somos y después existimos o al revés? ¿Hasta que grado nos condicionan los poderosos?, como dije antes, todas esas preguntas se convirtieron en hermosa música. 
  El éxito del disco se fue dando muy de a poco, Waters contó que recién cayó en la cuenta de que era un suceso cuando vio que otros discos simplemente pasaban de moda y The Dark Side of the Moon seguía vendido copias, llegando hasta la actualidad a mas de 40 millones. 
A continuación, los temas del disco:
1- Speak to Me
2- Breathe 3- On the Run
4- Time
5- The Great Gig in the Sky
6- Money
7- Us and Them

8- Any Colour You Like9- Brain Damage
10- Eclipse 

 

Bob Gruen en Buenos Aires

 Hace aproximadamente un mes atrás, tuve la dicha de conocer en persona a uno de los referentes de la historia del Rock, en el mas amplio sentido de la palabra.
 Estoy hablando nada mas y nada menos que de Bob Gruen, una persona que la vi respondiendo proguntas en un auditorio de no mas de 200 personas de capacidad, y hablando con una serenidad y una paz interior que pocas veces vi en celebridades.
 El motivo de la conferencia era una muestra fotográfica de su autoria, con respecto al período en que John Lennon vivió en Nueva York, mas específicamente desde Agosto de 1971 hasta su muerte, el 8 de Diciembre de 1980. Esos nueve años retratados pura y exclusivamente en la lente de Bob.
 La verdad que mi expectativa antes de entrar al auditorio era de escuchar a una persona formal y seria, con un ánimo seremonial y tratando de hacer auto publicidad de su carrera. TODO LO CONTRARIO, Bob nunca dejó de sonreir y de ser amable con todos los periodistas y el público. Hablaba de Lennon y de todas las celebridades que rondaron esa época (incluidos Yoko Ono y Paul McCartney entre otros), de la misma manera en que mi vecino habla de su sobrino, con la serenidad y la sabiduría que solo los verdaderos grandes poseen. De esta forma nos contaba que Los Beatles vieron su separación como un ciclo cumplido y que nadie tiene rencor con nadie, de hecho Lennon mismo muchas veces explicó que el sabía que podía ser objetivo de un atentado contra su vida, debido a que era muy consciente de el alcance de su lucha por la paz, pero que si ello llegara a suceder, pidió a sus familiares y amigos que no le guarden rencor a esa persona, porque el rencor indefectiblemente genera violencia, o sea la antítesis de lo que él predicaba, creo que esa expresión constante de paz que todos veíamos en el rostro de Bob, se debe un poco a la profunda amistad y el cariño mutuo que nos contó, tenía con John.
 No puedo dejar de repetir el impacto que causó en mi el darle la mano y agradecerle una foto y un autógrafo a una persona que fue tan cercana a Lennon y sus amigos, que digo a Lennon!, el apodo de "el fotógrafo del Rock" Gruen se lo ganó a fuerza de talento al haber trabajado con Led Zeppelin, The Who, David Bowie, The Clash, The Ramones, Tina Turner, Kiss, Elton John y Aerosmith entre otros.
 La conferencia de prensa duró aproximadamente 2 horas, pero era tal el fanatismo que se vivía en esa sala que ni bien terminada (y no por deseos de Bob, sino porque en la sala debía comenzar otra presentación) la gente se abalanzó para pedir fotos y autógrafos. La actitud de Bob frente a este suceso fue de quedarse otras 2 o 3 horas mas para satisfacer las demandas pedidas agradeciendo a la gente por su concurrencia, siempre con una sonrisa y un gesto de amabilidad.
 Como los autógrafos se firmaron en la misma sala de la muestra fotográfica, fue ahí donde pude decirle "Thanks for all" a lo que el contestó "Thanks to you", simplemente extraordinario.
  A continuación les muestro todas las fotos que saqué en su muestra y mi orgullo personal, la foto con el y su autógrafo.

Amor, Balada Rag

 Seguí en esta semana revolviendo videos y encontré uno de una canción instrumental de mi autoria, muy especial porque se la compuse a mi novia y luego la fui tocando por todos lados.
 Quisiera compartir este video con uds. lo mismo que agradecer a Raúl Pujadas por haberlo filmado de manera extraordinaria en el Centro Cultural Pipach, en Villa Gesell.
 Espero que les guste y quiero agradecerles por todas las entradas al blog, que si bien no publico muy a menudo se que de a poquito vamos armando una comunidad de amantes de la música.

Simplemente Mick y Keith

 Creo que una de las sociedades más icónicas del Rock (por detras, a mi gusto de la de Lennon- McCartney) se la debemos a The Rolling Stones, la banda (y ahora si) mas longeva y famosa hoy en día del mundo rockero, la verdad que 50 años juntos es un récord muy difícil de igualar.
 Concretamente estoy hablando de Mick Jagger y Keith Richards, aquellos compañeros de la escuela primaria en la localidad de Dartford (al oeste de Londres) que se convirtieron en leyendas vivas del rock & roll.
 No es mi intención en esta nota contar toda su historia, pero si la forma en que se conocieron.
 De personalidades muy diferentes, Mike era extrovertido y sobresalía cantando en las reuniones familiares las canciones de Rythm & Blues que sintonizaba en la radio americana AFN que se transmitía desde Alemania, estas reuniones fueron su verdadero comienzo en la música y le ayudaron a forjarse como intérprete ya que desde chico gesticulaba y "vivía" las canciones como luego lo hemos visto.
 Keith, de personalidad mucho mas introvertida odiaba la escuela y prefería pasar los días en la apacible casa familiar, paradógicamente su primer pasión musical fue el canto, justamente logró sobresalir y mucho a partir de los 8 años cuando el director de coros de la escuela lo escogió para cantar en la asunción de la reina Isabel II, en la abadía de Wenstminster en 1953 como una de las mejores voces de Londres, capaz de armonizar cualquier melodía con solamente escucharla.
 Estos eran los chicos que en 1950 fueron compañeros de aula y cuyas ambiciones eran ser cowboy, como Roy Rogers (en el caso de Keith) y un profesional destacado (Mike).
 Pero el destino los separaría por unos años, las posiciones económicas de ambas familias eran muy disimiles, mientras la familia Jagger se mudaba a uno de los mejores barrios de Dartford,  la familia Richards lo hacía hacia los barrios obreros y mientras las malas notas de Keith lo llevavan al Technicall College para aprender oficios manuales, Mike fue al instituto de enseñanza secundaria de Dartford, muy reconocido por entonces.
 Luego de un concierto revelador para Mike de Buddy Holly en 1958, empezó a buscar discos americanos de blues por donde pudiera, tal es así que escribió a la discográfica Chess de Chicago para que le enviara los LP que en Inglaterra no podía encontrar, fue así que se armó de una colección de discos que fue la envidia de todos sus compañeros del London School of Economics, en donde entró en 1960 becado.
 Justo en el verano de ese año fue que se volvieron a encontrar, Mike para ganar dinero extra se puso a vender helados en Dartford, ahí Keith lo vio, le compró uno y charlaron brevemente sobre su afición a la música.
 A todo esto, Keith ya había tenido sus comienzos en el mundo del rock, ya a los 6 años, disfrutaba de tocar  la guitarra de su abuelo Gus Dupree, músico y director de orquestas de "Country Western", cuya afición por la música sedujo también a Doris (madre de Keith) y el resto de sus hijas.
 Dupree hacía muchas giras por las bases Norteamericanas y cada día tenía una anécdota más para contarle a su nieto y embeberlo más en el maravilloso mundo musical. 
 Fue justamente él el que le enseñó los primeros riff y las primeras escalas guitarrísticas, para que luego sus dedos tomaran vuelo al sacar de oído la mayoría de las canciones de los artistas provenientes de la Sun Records de Menphis, como Scotty Moore y Elvis Presley. Pero la desición definitiva la tomó cuando vio un concierto de Chuck Berry y dijo para el mismo ¡Quiero tocar la Guitarra!
 Esta decisión quebró de forma brutal la relación con su padre, el cual nunca aprobó que Keith tocara la guitarra en vez de hacer los deberes de la escuela y estudiar, tuvieron que pasar 20 años para que se volvieran a reconciliar.
 Un día por Octubre de 1960, en la estación de trenes de Dartford, Keith visualizó a Mike en el andén, con 3 o 4 discos bajo su brazo, entre los cuales se destacaban Chuck Berry y Muddy Waters, al mirarse, se reconocieron enseguida, wow! que buenos discos! (exclamó Keith) yo se tocar esa mierda!, en seguida volvieron a entablar conversación como en el puesto de helados pero esta vez Keith invitó a Mike a escucharlo los discos en su casa.
 Pasaron juntos largo rato sin que Richards entendiera como Jagger era la única persona de Inglaterra en tener una colección de discos tan difíciles de conseguir, fue cuando le pidió prestado el disco "The best of Muddy Waters", el cual estudió de punta a punta y (en palabras de Richards) le cambió la vida.
 Mike, al ver las interpretaciones en la guitarra de Keith, le contó que acababa de formar un conjunto llamado The Blue Boys, junto a Dick Taylor (un amigo en común), conjunto al que Richards no dudó en ingresar, fue así que por primera vez la voz de Jagger y la guitarra de Richards se juntaron para dar comienzo a la leyenda.
 Meses mas tarde, Keith compraría su primer guitarra eléctrica y hacia el 24 de marzo de 1962, en un concierto de Alexis Korner en el único club de Blues de la zona, fue que escucharon tocar a Brian Jones en guitarra y Charlie Watts en batería. En seguida comenzaron a hablar de tocar juntos y grabar discos, y en medio del entusiasmo generado por la música fue que empezaron a ensayar y a grabar sus primeros demos, así Jagger, Richards, Jones, Taylor y Watts comenzaron a tocar juntos. Mas tarde se les sumó Ian Stewart en el piano y Mike se dejó crecer el pelo y adoptó un apodo mas infantil, Mick, Mick Jagger.
 Recientemente compré el último número de la revista Rolling Stone y curiosamente leí que (según Jagger), él y Richards nunca fueron como hermanos, sino solo compañeros de trabajo, puede ser (aunque me cueste creerlo), pero la atracción musical que hay entre ellos pocas veces se vio y eso, a mi criterio, es lo mas mágico que han creado.
 A lo largo de 50 años nos podemos imaginar todo lo que han vivido (de hecho los Stones son el grupo más longevo del rock que ha conservado su formación original: Jagger-Richards-Watts) pero lo importante es que hay Stones para rato, y les soy sincero, no podría dormir si pensara lo contrario.
 Esta fue un poco la historia de los orígenes del dúo emblemático dentro de la banda mágica que son los Rolling Stones. Muchas cosas han pasado y seguirán sucediendo pero lo cierto es que desde aquellos días entre 1960 y 1962 la vida de estos músicos como la del resto del mundo ya nunca más serían iguales.

                     

Fantasía Impromptu

 Desempolvando videos que he hecho hace años, me encontré tocando este bellísimo tema de Frederic Chopin. 
 Como en esa época (hace 5 años exactamente) todavía no me había rockeado como ahora, el verlo me produjo además de nostalgia, mucho placer al escuchar canciones mas elaboradas y "de culto", ya que el valor musical de esta pieza es, a mi criterio, invaluable.
 El video es de una presentación en "La Manufactura Papelera", un salón en el barrio de San Telmo, en la ciudad de Buenos Aires. Espero que les guste y sepan perdonar la mala definición, ya que fue grabado por alguien del público y luego subido sin editar por un gran amigo mio.

Los consejos de Schumann

 Revolviendo por ahí encontré 69 máximas que son los consejos que Robert Schumann (pianista y compositor de principios y mediados del siglo XIX, 1810-1856) dar a los jóvenes estudiantes de música de su época. En mi opinión son mas que vigentes en los tiempos actuales y para todos los géneros musicales que conviven actualmente. Salvando las distancias propias de la época y tomando con "pinzas" algunas afirmaciones que actualmente no se consideran así (les dejo a su criterio seleccionar cuales), en gral es un documento muy valioso para cualquier músico, sea de la edad o del género que sea, y siguiendo un poco con la nota anterior los músicos clásicos nos siguen enseñando que siempre se debe componer y tocar con pasión.

CONSEJOS A LOS JOVENES ESTUDIANTES DE MUSICA

1.- La educación del oído es de máxima importancia; es conveniente, pues, que enseguida te ocupes de ella, esforzándote en reconocer cualquier sonido que oigas y la tonalidad de cada trozo de música. Procura también saber que sonidos producen las campanas, el cuclillo, etc...

2.- Tocar con atención las escalas y los ejercicios mecánicos es cosa óptima; pero no imites a esos pianistas que, creyendo que con esto se alcanza el máximo resultado, dedican siempre hasta la más avanzada edad, varias horas diarias a los ejercicios mecánicos de los dedos. Eso equivale a repetir diariamente, con creciente rapidez, las letras del abecedario. Es necesario emplear mejor el tiempo.
3.- Se han construido los llamados teclados mudos; pero después de breve uso te convencerás de su inutilidad: ¿como pueden los mudos enseñar a hablar?.

4.- ¡Lleva bien el compás! La ejecución de algunos concertistas se parece al andar de un borracho: guárdate de tomar a ellos por modelo.

5.- Profundízate temprano en las leyes fundamentales de la armonía.

6.- No te asustes de los nombres: Teoría, armonía, contrapunto, etc...; con un poco de buena voluntad, pronto te serán familiares.

7.- ¡No toques negligentemente! Ejecuta cada trozo siempre con mucha atención, sin omitir nada.

8.- Tocar muy deprisa es un defecto tan grande, como tocar muy despacio.

9.- Procura ejecutar lo mejor posible trozos fáciles; obtendrás así más beneficio que ejecutando mediocremente composiciones difíciles.

10.- Ten siempre tu instrumento perfectamente afinado.

11.- No basta saber ejecutar con los dedos la música; hay que saber también cantarla, en voz baja, sin recurrir al instrumento.

12.- Ejercita tu memoria para poder retener no solo la melodía de una composición, sino también su armonía.

13.- Aunque tengas poca voz, acostúmbrate a cantar repentizando, sin la ayuda de instrumento alguno; así perfeccionarás siempre más el oído. Pero si tienes la suerte de poseer una hermosa voz, no vaciles en educarla; ¡considérala como uno de los más preciados dones que te haya concedido Dios!.

14.- Procura llegar a comprender la música escrita, sin ejecutarla: con solo leerla

15.- Cuando toques, no te preocupes de quienes te escuchan; pero si, ejecuta siempre como si te escuchara un maestro.

16.- La primera cualidad de la interpretación es la precisión, o sea la exacta observancia del texto, que pone de relieve la más recóndita intención del autor.

17.- Si te dan para tocar un trozo que no conoces, léelo antes de ejecutarlo.

18.- Si después de la técnica diaria estás cansado, no continúes tocando: es mejor descansar que trabajar sin placer y sin energía.

19.- No ejecutes las composiciones que están de moda. El tiempo es precioso, y seria necesario vivir cien veces más de lo que se vive para llegar a conocer solo la buena música existente.

20.- Nutriendo a los niños con golosinas no se forman hombres sanos. La nutrición del espíritu, como la del cuerpo, debe ser sencilla y substanciosa. Los grandes maestros te han provisto abundantemente: aliméntate de sus obras.

21.- Aquella música cuyo único fin es poner en evidencia dificultades técnicas en la ejecución, pronto pasa de moda: las dificultades técnicas tienen valor solo cuando persiguen fines más elevados, o sea cuando logran una perfecta ejecución de la música de verdadero mérito.

22.- No divulgues las malas composiciones, antes trata con todas tus fuerzas de impedir su difusión.

23.- No toques música mala y, salvo que las circunstancias te obliguen, tampoco la escuches.

24.- No creas que la verdadera maestría consiste solo en la agilidad. En la interpretación de una obra procura más bien producir la impresión que tenia en la mente el compositor, y nada más. Cualquier otra cosa sería caricatura.

25.- No olvides que es cosa detestable y monstruosa hacer cambios y mutilaciones en la música de los grandes compositores, como también agregar adornos de uso exclusivamente moderno. Es la máxima injuria que se pueda hacer al arte.
Berlioz dice al respecto: "No, no, no, diez millones de veces no; músicos, poetas, actores, pianistas, directores de orquesta de tercero, segundo y también de primer orden, vosotros no tenéis el derecho de retocar a los Beethoven y a los Shakespeare, para hacerles la limosna de vuestra ciencia y de vuestro gusto. No, no, no, mil millones de veces no; un hombre cualquiera no tiene el derecho de constreñir a otro hombre, cualquiera que sea, a dejar su propia fisonomía para tomar otra, a expresarse en una manera que no es la suya, a asumir una forma que él no ha elegido".

26. Al seleccionar la música que debes estudiar, consulta siempre a personas con más experiencia que tú: ahorrarás tiempo.

27.- Procura conocer paulatinamente las obras maestras de los mejores compositores.

28.- No te dejes engañar por los aplausos que obtienen muy a menudo los llamados virtuosos. La aprobación de los competentes sea para tí de mayor valor que la del público.

29.- La música que está de moda tiene poca vida; si persistes en cultivarla, serás considerado un necio.

30.- Tocar mucho en reuniones sociales es más dañoso que útil. Adáptate al gusto y a la inteligencia del auditorio; pero sin ejecutar ninguna música de la cuál, íntimamente, puedas avergonzarte.

31.- Aprovecha la ocasión de tocar música de conjunto, o sea: duos, tríos, cuartetos, etc... adquirirás siempre desenvoltura y arrojo en la ejecución. También es beneficioso acompañar a cantantes.

32.- Si todos quieren ser primer violín, ¿como sería posible formar una orquesta?. Por lo tanto valora a cada intèrprete en la parte que desempeña.

33.- Ama el instrumento que tocas; pero no seas tan vanidoso de creer que es el mejor de todos, pues otros no le son inferiores. Reflexiona también que existe la voz humana, y que en la música se alcanza lo sublime uniendo el coro a la orquesta.

34.- Progresando en el arte, trata de familiarizarte más con las partituras que con los virtuosos.

35.- Estudia con frecuencia las fugas de los grandes maestros, especialmente las de Johann Sebastian Bach. Que el "Clave Bien Temperado" sea tu pan cotidiano; llegarás sin duda a ser un pianista de prestigio.

36.- Entre tus compañeros, debes preferir siempre a los que saben más que tú.

37.- Mitiga la severidad de tus estudios musicales con la lectura de buenos poetas. Además, pasea muy a menudo por los campos y los bosques.

38.- Se puede aprender mucho de los cantantes; pero no es prudente creer todo lo que dicen.

39.- Reflexiona y piensa que no eres único en el mundo; por lo tanto sé modesto. Tú no has ideado o hallado cosa que otros no hayan ideado o hallado antes que tú; y en el caso que esto aconteciera, considéralo como un don de Dios que debes compartir con otros.

40.- El estudio de la historia de la música y la audición de la obra de los grandes maestros de distintas épocas, son los verdaderos remedios contra toda vanidad y presunción.

41.- Un hermoso libro es el de Thibaut, titulado "Pureza del arte musical". Leelo muy a menudo cuando llegues a la edad madura.

42.- Si pasando delante de una iglesia, oyes tocar el órgano, detente y escucha. Si alguna vez puedes tocar dicho instrumento, te asombrarás de la gran potencia de la música producida por tus pequeños dedos.

43.- Aprovecha cuantas ocasiones se te presenten de ejercitarte en el órgano; ningún instrumento como éste hace oír claramente las deficiencias de la ejecución y el pésimo estilo de la composición.

44.- Canta muy a menudo en los coros, máxime en las partes medias; esto contribuirá a formar tu sensibilidad musical.

45.- ¿Qué quiere decir tener sensibilidad musical?. Tu no la posees si tocas un fragmento con fatiga, mirando con ansiedad los sonidos escritos; o si, tocando, te detienes de repente y eres incapaz de continuar, porque te han dado vuelta dos páginas al mismo tiempo. Por el contrario tienes sensibilidad musical si, tocando una pieza nueva para ti, llegas a adivinar, en cierto modo, lo que sigue; o si la música te resulta conocida, la recuerdas. En conclusión, tú posees sensibilidad musical si tienes la música no solo en los dedos, sino también en la cabeza y en el corazón.

46.- ¿Como se puede adquirir la sensibilidad musical?. Mis queridos amigos, la sensibilidad musical es un don divino y consiste principalmente, en tener un oído delicado y una rápida facultad de percepción. Estas dichosas disposiciones pueden ser cultivadas y perfeccionadas, pero no encerrándose en un cuarto y tocando solo ejercicios mecánicos, sino estando en contacto con otros músicos y, especialmente, familiarizándote con el coro y la orquesta.

47.- Procura conocer en profundidad la extensión de la voz humana en sus cuatro tipos. Estúdiala particularmente en los coros, investigando cuales son los sonidos con que la voz manifiesta mayor potencia y cuales aquellos con que expresa pasiones tiernas y sentimientos delicados.

48.- Escucha con atención los cantos populares; ellos constituyen un rico manantial de hermosísimas melodías que te facilitarán el estudio sobre el carácter de la música de las diferentes naciones.

49.- Ejercítate muy a menudo en la lectura de las claves antiguas; de lo contrario, ignorarás muchos tesoros del pasado.

50.- Pon atención al diferente timbre y al carácter propio de los distintos instrumentos, procurando retener en tu oído las cualidades particulares de sus sonidos.

51.- Respeta la música antigua; pero interésate también por la moderna.

52.- No tengas ánimo adverso por la música cuyo autor te es desconocido.

53.- No juzgues una composición después de la primera audición, pués lo que agrada en seguida no siempre es lo mejor. Las obras de los grandes maestros deben ser estudiadas, y muchas cosas serán claras para tí, cuando tengas más años.

54.- Al emitir un juicio sobre las composiciones, debes distinguir aquellas que pertenecen al verdadero arte de las que sirven para deleitar a los aficionados. Aprecia las primeras; pero no desprecies las otras.

55.- ¡Melodía!, he aquí el grito de guerra de los aficionados. Y a decir verdad, no existiría música sin melodía. Pero es necesario conocer bien que cosa entienden ellos por melodía: un estribillo de fácil comprensión y de agradable ritmo. Pero existen melodías de género diferente: si se da un vistazo a las obras de Bach, Mozart, Beethoven, se verá como ellas se presentan bajo mil formas distintas. Es de esperar que pronto te fastidien las melodías uniformes, especialmente aquellas de las nuevas óperas italianas.

56.- Es bueno componer pequeñas melodías en el piano; pero si las ideas musicales vienen a ti, sin buscarlas en el piano, tendrás que alegrarte mucho más, porque tu sensibilidad musical se despierta. Los dedos deben ejecutar lo que el cerebro quiere, y no lo contrario.

57.- Cuando empieces a componer, imagina primero con el pensamiento, y sólo cuando tu trabajo está completamente ideado en tu cerebro, ejecútalo en el piano.

58.- Si tu música proviene del alma y del corazón, y tú mismo te conmueves, entonces ella podrá conmover también a los demás.

59.- Si Dios te ha dado el don de una fantasía vivaz, cuando te halles solo, sentado ante el piano, muy a menudo intentarás expresar con las armonías el íntimo sentimiento de tu ánimo; y cuanto más oscura sea para ti la ciencia armónica, tanto más te parecerá ser misteriosamente arrastrado a regiones encantadas. Estas son las horas más bellas de la juventud. Pero no te dejes llevar frecuentemente por la fantasía que podría hacerte perder tiempo y fuerzas, corriendo detrás de fantasmas. Nunca se llega a dominar las formas de la composición y a expresar claramente las propias ideas, si no se ponen por escrito los propios conceptos. Por lo tanto, escribe más de lo que improvises.

60.- Trata de adquirir a tiempo el arte de dirigir la orquesta. Observa a los buenos directores y esfuérzate en dirigir tú mismo mentalmente: así adquirirás lucidez de percepción.

61.- Estudia atentamente la vida y procúrate conocimientos también en otras artes y ciencias.

62.- Las leyes de la moral son también las del arte.

63.- Diligencia y perseverancia son los factores más importantes del progreso.

64.- De una libra de hierro, que cuesta unos pocos céntimos, se puede obtener un millar de manecillas de reloj, cuyo valor, comparado con el de la primera materia, es prodigioso. Emplea, por lo tanto, concienzudamente la "Libra" que has recibido de Dios.

65.- En arte, sin entusiasmo, nada grande se produce.

66.- El objeto del arte no debe ser la ganancia material. Trata de llegar a ser lo más experto posible: el resto vendrá solo.

67.- El espíritu de una composición te será claro cuando hayas comprendido bien su forma.

68.- Tal vez solo un genio puede llegar a comprender a otro genio.

69.- Se dice que un perfecto músico, al escuchar por primera vez un trozo orquestal, por complicado que sea, debería verlo en su mente como si tuviera delante la partitura escrita. Esto sería, verdaderamente, el colmo del intelecto musical.

  

Los Rockers del pasado

 Esta vez no voy a hablar de música moderna, al decir Rockers del pasado me refiero a las actitudes frente a la vida que han tomado los músicos que consideramos "clásicos" (en realidad, ya muchos insisten en llamar a ese período música culta, porque quien me va a decir que Let it be no es un clásico).
 Lo que quiero decir es que a veces cuando nos hablan de Bach, Beethoven o Mozart, quizás nos imaginamos a personas tranquilas, que tocaban el piano y escribían partituras como hoy quizás un arquitecto está detrás de un escritorio haciendo planos. Nada mas alejado de la realidad que eso, la vida de la mayoría de estos músicos se parecía mucho mas a la de Hendrix, Elvis o Freddie que a la de cualquier oficinista moderno.
 Partamos de la base de que si no era en París o Viena, era muy difícil progresar en el mundo de la música siendo un desconocido, y que para financiar su carrera, un músico tenía que buscarse un mecenas, generalmente un noble al que le gustara su música y que lo mantuviera en carácter de empleado.
 Mas entrado el siglo XIX las posibilidades se ampliaron a las clases (como ahora jeje), y vemos como Chopin por ejemplo, se mantenía dando clases a las hijas de las clases acomodadas de París para financiar sus primeros proyectos.
 Esta situación la comento porque realmente la música siempre fue una carrera difícil (ahora casi mas que nunca), y si realmente no te gustaba, en el siglo XVIII, no era nada conveniente probar suerte en eso, por ende los que accedían a este tipo de vida, no le tenían que tener miedo a la inestabilidad económica ni a los avatares del destino, y vamos a ver que a menudo, aún teniendo prosperidad, todo les resbalaba.
 Vamos a empezar por Bach, músico prolijo y prolífico como pocos, cuya música es mayoritariamente religiosa por ser durante muchos años organista de la capilla de Weimar, a las órdenes del duque Johan Ernst III. Parece que el trabajo le dejaba tiempo para tener 2 esposas y 20 hijos (si, 20!, y pienso igual que uds, se nota que en el siglo XVIII no había televisión), 7 con la primera esposa y 13 con la segunda. Y parece que su físico no se agotaba ahí ya que sobrevivió a 11 de ellos.
 Sigamos con Beethoven, sordo desde los 32 años cuya obra mayoritariamente la compuso acercando el oído al piano para escuchar sintiendo las vibraciones, quien sí logró una posición económica estable de manera temprana por obtener cargos de violinista y pianista en renombradas orquestas de la época, su discapacidad lo deprimía muchísimo, y sumado a sus problemas amorosos debido a su fuerte personalidad dormía en la calle de vez en cuando debido a sus borracheras "curativas", y como era una persona conocida, algunos que lo encontraban en ese estado lo cargaban, sabiendo que no podría escucharlos. Además cuenta con varios intentos de suicidios en su haber, de los cuales, y en palabras de el mismo, lo salvo su fascinación por la música.
 Y si de vidas agitadas hablamos, no podemos dejar de nombrar a Wolfang Amadeus Mozart, quien como era tan genio que parecía que la música le brotaba de la piel, podía dedicar gran parte de su tiempo a recorrer tabernas, emborracharse y conocer mujeres, acrecentando su fama en los suburbios de cualquier ciudad a la que viajara, (de hecho como viajaba mucho promocionando su música aprovechaba este tiempo para componer adentro de las carretas).
 Vamos con Tchaicovsky, homosexual casi declarado, en realidad podríamos decir que toda la vida lidió con su bisexualidad y con avatares económicos que le generaba la situación rusa de ese momento, en la cual la música no tenía mucha cabida. Además nunca pudo superar la muerte de su madre, quien murió de cólera igual que él, pero en su caso fue una especie de suicidio porque tomó agua contaminada a propósito sabiendo que la cura era sumergirse en una tina de agua hirviendo para matar al germen, obviamente su cuerpo no resistió las quemaduras.
 El caso de Chopin fue mas patriótico y heroico que raro, sacando que debido a su tuberculosis a los 39 años pesaba solo 40 kilos, como Polaco que vivió en París la mayor parte de su vida, siempre tuvo culpa de no cooperar en la lucha armada de su pueblo contra la invasión Rusa, y literlamente "se mató" dando giras por toda Europa sabiendo que el clima frío le quitaba años de vida, todo lo recaudado iba a parar a su patria       para que sus amigos pudieran luchar. En el contexto amoroso siempre estuvo al lado de Aurora Dupin, mas conocida por George Sand, (debido a que era escritora y tenía que ponerse nombre y vestir como varón para ser aceptada en los círculos literarios), pero debido a la fragilidad de su cuerpo, se sospechaba de una relación más de adoración mutua que realmente marital.
 Verdi, tuvo que comer sobras y empeñar su ropa antes de ser famoso (y realmente lo fue), además de que antes de componer Nabucodonosor, su pasaporte a la fama y la fortuna, perdió a su esposa y sus dos hijos.
 También fue un autodidacta, porque lo rechazaron cuando quizo entrar al conservatorio.
 Como por la situación política Italiana en ese momento tomó la música de Verdi como una forma de exaltación nacional, rápidamente ascendió económicamente, no obstante casi siempre necesitó de productores del ámbito empresarial para financiar la composición y puesta en escena de sus óperas.
 Mussorgsky, otro compositor Ruso era un borracho crónico, de hecho debía escribir varias veces sus partituras porque las botellas de vino se le caían arriba y se le arruinaban. También acostumbró a la gente a verlo siempre con la nariz roja, producto de su borrachera diaria y también a verlo caminar medio tambaleando, al mejor estilo Jack Sparrow.
 Shuman, otro con problemas de tipo mentales, en su obsesión por ser cada vez mejor pianista, y al notar que los dedos meñique y anular tienen menos fuerza a la hora de ejecutar, se ató los otros tres para ejercitarlos, luego inventó una máquina que lo forzaba a hacer mas fuerza con el anular, el resultado? se arruinó la mano y la atrofió de tal forma que no pudo volver a tocar, situación que prácticamente lo enloqueció y terminó suicidándose.
 Quiero terminar con Franz Liszt por tener una de las historias mas felices de los músicos clásicos. 
Verdadero precursor de los rockstar actuales, él si lo tuvo todo, y desde muy joven, y lo supo aprovechar. Ya desde muy chico tuvo una fama imparable, debido a su gran virtuosismo en el piano (realmente yo creo que fue el mejor pianista de todos los tiempos), sus conciertos eran verdaderos shows ya que además de la música sus movimientos al tocar eran considerados muy sexys para la época (también su melena castaña muy clara causaba sorpresa y admiración con sus giros). Fue el primer músico en dar conciertos al aire libre y también el primero al que las mujeres le tiraban su ropa interior. Su paso por las ciudades en las giras causaba caravanas alrededor de sus carros e histeria, sobre todo entre el público femenino, un especie de Elvis, que generaba realmente una Lisztmanía.
 Su vida estuvo llena de mujeres, fama y fortuna, fiestas y grandes conciertos, su magnetismo era tal que una admiradora le pidió que le regalara una colilla usada de cigarrillo, la embalsamó y la llevaba siempre escondida es su ropa interior, para siempre tenerlo en su cuerpo.
 Hombre de un inmenso corazón y una caridad sin límites, ayudó a absolutamente todos los músicos que le pidieron su apoyo. Ya de grande (falleció a los 74 años, una verdadera epopeya para la época), se convirtió en la eminencia mas grande de la música de su tiempo, creando fondos de financiamiento para músicos a los cuales, Wagner y Grieg entre otros le deben sus prósperas carreras. Terminó sus días siendo párroco, quizás cansado de su vida tan turbulenta.
 Lo que quiero mostrar con esta nota es que si yo a Uds. les hablo de borracheras, mujeres, locura, homosexualidad y marginalidad no creo que me digan ¡Musica clásica!. Esto confirma que los músicos siempre fueron músicos, tanto en su vida profesional como personal y que no es invento de los rockers el tener una vida agitada, esa estuvo siempre presente en los músicos de todos los tiempos.